Was ist die eigentliche Aufgabe einer Galerie? Warum müssen Galerien unbekannte Künstler fördern und künstlerisches Risiko eingehen? Torsten Obrist über Kunstmarkt, Innovation und Verantwortung.
Im ersten Teil dieser Reihe habe ich beschrieben, wie sehr sich die Rolle der Galerie verändert hat. Eine Galerie ist heute nicht mehr nur ein Ort, an dem Kunstwerke an den Wänden hängen und auf Käufer warten. Sie ist Produzent, Vermittler, Netzwerk, Kommunikationsplattform und zunehmend auch Marke. Im zweiten Teil ging es darum, warum manche Künstler sichtbar werden und andere trotz großer Qualität kaum wahrgenommen werden. Und im dritten Teil haben wir uns mit der Frage beschäftigt, wie der Preis eines Kunstwerkes entsteht. Damit stellt sich eine weitere, vielleicht noch grundsätzlichere Frage: Was sollte eine Galerie eigentlich zeigen? Die Kunst, die bereits erfolgreich ist? Oder die Kunst, die vielleicht erst noch erfolgreich werden könnte?
Eine Galerie kann sich nicht nur auf Sicherheit verlassen
Aus wirtschaftlicher Sicht ist die erste Variante natürlich verlockend. Ein bekannter Künstler bringt Aufmerksamkeit. Sammler kennen den Namen. Museen haben vielleicht bereits ausgestellt. Kritiker haben geschrieben. Preise sind am Markt etabliert. Das Risiko ist vergleichsweise überschaubar.
Aber genau hier entsteht ein Problem. Wenn alle nur noch das zeigen, was bereits erfolgreich ist, entsteht kaum etwas Neues. Eine Galerie wird dann vom Ort der Entdeckung zum Ort der Bestätigung. Sie zeigt, was bereits sichtbar ist. Und irgendwann stellt sich die Frage:
Wozu braucht man sie dann eigentlich noch?
Eine Galerie muss manchmal an etwas glauben, bevor es andere tun
Ich habe in meiner über 25-jährigen Galeriearbeit immer wieder erlebt, dass künstlerische Entwicklungen nicht geradlinig verlaufen. Ein Künstler kann heute unbekannt sein und in zehn Jahren eine wichtige Position darstellen. Eine Ausstellung kann wirtschaftlich enttäuschend sein und trotzdem künstlerisch bedeutend. Und manchmal stellt sich ein scheinbarer Misserfolg erst später als wichtiger Schritt heraus.
Kunst entsteht häufig dort, wo noch keine Sicherheit existiert
Das ist vielleicht der entscheidende Punkt. Eine neue künstlerische Position ist am Anfang oft schwer einzuordnen. Sie passt noch nicht in bekannte Kategorien. Sie hat noch keinen etablierten Markt. Es gibt vielleicht noch keine langen Ausstellungshistorien, keine Museumsausstellungen und keine großen Sammlungen. Das macht sie nicht automatisch gut. Aber es bedeutet, dass man genauer hinschauen muss. Und genau hier beginnt kuratorische Arbeit.
Eine Galerie muss entscheiden:
– Welche Position ist interessant genug, um Zeit und Geld zu investieren?
– Welche Künstlerentwicklung verdient langfristige Begleitung?
– Welche Ausstellung lohnt sich, auch wenn sie kurzfristig vielleicht nicht wirtschaftlich erfolgreich ist?
Das sind keine theoretischen Fragen. Eine Ausstellung kostet Geld. Eine Kunstmesse kostet Geld. Publikationen kosten Geld. Transporte, Versicherung, Rahmung, Kommunikation und Personal kosten Geld. Wenn eine Galerie einen jungen Künstler aufbaut, übernimmt sie deshalb immer auch ein wirtschaftliches Risiko.
Eine meiner wichtigsten Erfahrungen: Geduld
Ich habe früh gelernt, dass künstlerische Entwicklung und wirtschaftlicher Erfolg nicht im gleichen Tempo funktionieren. Manchmal braucht eine Position Jahre, bevor sie ihre Wirkung entfaltet. Das gilt auch für Sammler. Nicht jeder kauft sofort. Manchmal sieht jemand ein Werk auf einer Messe und kommt erst ein Jahr später darauf zurück. Manchmal braucht es mehrere Ausstellungen, Gespräche und Begegnungen, bevor aus Interesse eine Sammlung entsteht. Deshalb gehört Geduld zu den wichtigsten Eigenschaften eines Galeristen.
Ich würde sogar sagen: Eine Galerie muss bereit sein, Zeit zu investieren, die sich nicht sofort wirtschaftlich messen lässt. Das ist im heutigen Aufmerksamkeitsmarkt schwieriger geworden.
– Social Media verlangen permanente Sichtbarkeit.
– Messen erzeugen hohen finanziellen Druck.
– Künstler sollen möglichst schnell Aufmerksamkeit erzeugen.
– Und Sammler werden ständig mit neuen Namen konfrontiert.
Aber Kunst funktioniert nicht immer so schnell.
Sichtbarkeit ist nicht dasselbe wie Qualität
Wenn ein Künstler häufig in den Medien erscheint, auf Messen präsent ist und in sozialen Netzwerken sichtbar wird, entsteht schnell der Eindruck von Bedeutung. Das kann berechtigt sein. Es kann aber auch eine reine Verstärkung des bereits vorhandenen Erfolgs sein.
– Wer sichtbar ist, wird sichtbarer.
– Wer gesammelt wird, wird interessanter für weitere Sammler.
– Wer im Museum ausstellt, wird für weitere Institutionen interessant.
Der Kunstmarkt besitzt deshalb eine starke Eigendynamik. Eine gute Galerie sollte diesen Mechanismus verstehen – aber ihm nicht vollständig unterliegen. Denn sonst wird aus der Galerie irgendwann ein Distributor bereits abgesicherter Namen.
Die spannendste Frage ist nicht: Was verkauft sich?
Natürlich muss eine Galerie wirtschaftlich arbeiten. Eine Galerie ist nun mal kein Museum und auch keine öffentliche Institution. Sie muss Künstler bezahlen, Räume finanzieren, Ausstellungen produzieren und wirtschaftlich überleben. Aber die maßgebliche Frage sollte trotzdem nicht ausschließlich lauten:
„Was verkauft sich?“
Sondern:
„Welche Kunst verdient es, sichtbar zu werden?“
Das ist ein großer Unterschied. Denn zwischen beiden Fragen liegt die eigentliche kulturelle Verantwortung einer Galerie.
Der Glaspavillon als Experimentierraum
Ein Beispiel dafür ist meine Arbeit im Glaspavillon im Grugapark Essen. Der Pavillon ist ein ungewöhnlicher Ausstellungsort: ein transparenter, nahezu vollständig verglaster Raum, der sich nicht einfach wie eine klassische Galerie bespielen lässt. Seit mehreren Jahren entstehen dort Soloshows, in denen Künstlerinnen und Künstler diesen besonderen Raum frei interpretieren können. Gerade diese Bedingungen erzeugen etwas, das im normalen Galeriebetrieb manchmal schwer möglich ist: künstlerische Freiheit ohne sofortige Marktlogik. Die Arbeiten müssen nicht einfach in eine bestehende Verkaufsstruktur passen. Der Raum wird selbst zum Bestandteil der künstlerischen Arbeit. Und genau daraus entstehen manchmal die interessantesten Ausstellungen.
Warum das auch für Sammler wichtig ist
Das mag zunächst wie ein Thema für Künstler und Galeristen erscheinen. Aber auch Sammler profitieren davon. Denn wenn eine Galerie ausschließlich auf bereits etablierte Namen setzt, wird die Auswahl für den Sammler immer kleiner. Wenn Galerien dagegen neue Positionen aufbauen, entsteht die Möglichkeit, eine künstlerische Entwicklung früh zu begleiten. Das bedeutet nicht, dass jeder frühe Kauf ein späterer Erfolg wird. Das wäre eine falsche Versprechung. Es bedeutet vielmehr, dass Kunst sammeln auch bedeutet, eine eigene Meinung zu entwickeln und Unsicherheit auszuhalten. Vielleicht ist genau das einer der schönsten Aspekte des Sammelns. Nicht nur das bereits Bekannte zu besitzen. Sondern etwas zu entdecken.
Eine Galerie arbeitet an der Zukunft
Ich glaube deshalb, dass die eigentliche kulturelle Aufgabe einer Galerie dort beginnt, wo Sicherheit endet. Eine Galerie, die nur bereits bestätigte Kunst zeigt, arbeitet im Grunde rückwärts. Sie bestätigt die Gegenwart. Eine Galerie, die neue Positionen entdeckt, Risiken eingeht und Künstler über Jahre begleitet, arbeitet dagegen an der Zukunft. Das gelingt natürlich nicht immer…
Manchmal wurden Künstler zu früh oder zu spät losgelassen. Projekte sind gescheitert. Ausstellungen waren wirtschaftlich enttäuschend. Und diese Erfahrungen gehören eben auch zur Galeriearbeit. Denn wenn eine Galerie niemals scheitert, geht sie vermutlich auch niemals ein echtes Risiko ein. Und deshalb lautet für mich die entscheidende Frage nicht:
Welche Kunst gewinnt?
Sondern:
Welche Kunst hätte ohne das Risiko einer Galerie überhaupt die Chance bekommen, sichtbar zu werden?
